今の日本社会に於いて、あらゆる面での二極化が進んでいる…というのは、しばしば聞かれることです。
実際、生活していても、この二極化現象を肌で感じることも多く、「勝ち組」とか「負け組」などという言葉が流行るのも、このような社会の実態と深い関係があるように感じています。

このような時代背景の元、ピアノのレッスンが影響を受けないわけがありません。
販売されているテキストも、楽譜がきちんと読めて、楽しんでピアノに向かえるように…というモノから、如何にして、テクニックを磨いていくか…というものまで、様々です。
もちろん、こういうことは、今に始まったことではありませんが、それにしても、その分かれ方が、よりハッキリしてきているような気がします。
プロを目指して研鑽するお子さんと、趣味の情操教育として取り組んでいるお子さん…というのもありますが、そういった表面的なことよりも、親御さんにとって、音楽がどのような意味を持っているか…とか、謙虚に学ぶ姿勢をお子さんに教えられるか…の方が、実際には、大きな影響があるようにも見えます。

確かに、二極化というのは、取り組んでいる生徒さんにとっても、指導者にとっても、保護者にとっても、楽な面（というと語弊があるかも知れませんが）があるように思います。
本格的にやりたいお子さん、やらせたい親御さにとっては、良いライバルに恵まれた中で研鑽するのは、魅力的なことでしょうし、趣味で楽しく…というお子さんも、自分のペースで学ぶことができたほうが、ストレスが少ないでしょう。

でも、そう簡単に割り切れないのが人間でもあり、音楽でもあります。
厳しく本格的に学んでいる…と思っていたのが、音楽の魅力を見失ってしまったり、基礎的なことを実は取りこぼしていたり、趣味で楽しければ…と思ってはじめたはずなのに、音楽の魅力にはまり込んでもっと上のレベルを目指したくなったり、上手なお子さんが何を弾いているか気になったり…。
そういった、お子さんの変化に、キメ細かく対応していく…という視点から眺めると、この二極化は、決して歓迎できるものではないように思えます。

一番大切なのは、指導者が、そういった現実に振り回されないことかも知れません。
情報自体も二極化している現在、それができるのは、一部の限られた人たちだけなのかも知れません…。
そう考えると、とても複雑な気持ちになります。
でも、その限られた人…というのは、決して、住んでいる地域や、頭の良さ、経済的余裕などを持つ人…という訳でもないような気がします。
むしろ、そういう表面的なことから自由でいられる感性の持ち主、そして、音楽の奥深い素晴らしさを感じることができる人…なのかも知れません。

心のアンテナを高くあげて、この二極化時代を乗り切っていきたいものです。

ピアノを熱心にされている方の中には、コンクールに挑戦されている方も、多くいらっしゃることでしょう。
これだけ、コンクールが花盛りなのですから…。

しかし、それらの多くは、『学習目的のコンクール』であって、そこでの成果が直接、プロの音楽家へ登竜門になるわけではありません。
それぞれのコンクールによって成り立ちは様々ですが、日頃、一生懸命に勉強しているお子さんや応援しているご家族の励みになるように…というのが、主な目的と言っていいと思います。

実際、ある程度、弾ける様になった段階でコンクールに出ることで、本人のみならず、ご家族のサポートする意識が高まるのは事実ですし、それが良い方向に向けば、ピアノの上達には多いに役立つものです。
また、日頃弾かないレパートリーに挑戦したり、一曲を長く深く勉強することで、新たな成長のチャンスとすることも出来るでしょう。

ところが一方で、親御さんが熱心になりすぎて、お子さんの負担になったり、せっかく勉強したことが評価されない…と感じて、自信をなくしてしまうケースもあります。
また、コンクールの曲ばかりを一生懸命にやりすぎて、基本的な勉強がおろそかになり、結局、遠回りをしてしまう、また、生徒さんや保護者ご自身は、遠回りをしていることに気付いていない…という場合もあり、コンクールを利用する難しさを感じさせられます。

けれども、コンクールの一番の問題点は、これらとは別のところにあるように思うのです。
それは、コンクールに依存してしまうと、『他人に評価される事でしか音楽を楽しめない』…という傾向があるのではないか…という事。
この“他人”とは、必ずしも、コンクールの審査員とは限りません。
コンクールのために、熱心に指導する先生だったり、その指導に応えるべく、ご自宅での練習に付き添うお母様だったり、コンクールを受けるために特別指導をしてくださる、偉い先生だったりするのです。
そういう大人に囲まれて、言われた通りに弾けると誉められ、違うと注意される…という事を繰り返しているうちに、お子さん自身が、楽曲のなかに美しさや楽しさ、面白さを見出して弾く喜び…というのが、順調に育っていきにくいのではないか…という気がします。
音楽は、演奏者が、曲の中に音楽的な喜びを見出して、はじめて、聴く人に伝え、共に分かち合うことができるものです。
そういった面から考えると、コンクールのために勉強することは、長い目で見て、そのお子さんが音楽と付き合っていく上で、プラスには働かないかも知れません。

音楽を感じる心の芽ばえは、ごく幼い頃にはじまります。
コンクールのように、他人からの評価を前提とするものは、せっかく芽ばえかけた音楽を感じる心が、育っていくのを邪魔してしまうのかも知れません。

現実問題として、音楽の本来のあり方とコンクールというのは、学習者レベルに限らず、相容れないような気もします。
このことについて上手に書く自信がないので、止めますが…。

ピアノ指導者が、生徒さんに、ピアノを弾くことで何をもたらしたいか…によって、コンクールへのスタンスは、変わってくるものだと思いますが、コンクールが人の心に及ぼす影響…というのは、常に、考えるべきだと思います。
また、こういった問題は、指導者だけでなく、保護者の方にも考えていただきたく思います。
コンクールで結果を出すことと、音楽の本質的な問題は、全く別のところにある…というのを知らずにいると、せっかくお子さんの中に育った音楽の芽を、枯らしてしまうことにもなりかねません…。

一昨年8月のデモレッスンから数えると、この公開レッスンも、今回で丁度、丸二年継続した…という事になります。

2年間、北川先生のレッスンを聴講してきて、いつの間にか、自分の中の音楽を聴く感覚が磨かれてきているような気がします。
普通の講習会や公開レッスンのように頭で考えるのではなく、聞こえてくる音や音楽が自分の中に少しずつ染み込んできて、別の曲の楽譜を見た時にも、それがどのような音楽でにあるべきか…というのが、少しずつですが、音として自然に自分の中に聞こえてくるようになったのは、驚きです。
繰り返し長く聴講すること、そして、レッスンを受ける生徒さんも、自分のレッスンだけではなく、他の生徒さんのレッスンも聴くこと…北川先生がこの公開レッスンを始める時におっしゃっていた、これらの事の意味を、実感しています。
言葉での説明よりも何よりも、あのレッスンの空間に身をおいている、その事が一番の勉強なのだ…ということ、これは、通っていらっしゃる皆様には、ちょっと大変な事なのかも知れませんが、しかし、おそらく、ホンモノの音楽を学ぶ…というのは、こういう事なのだろう…という気が、回を重ねるほどにしています。

…と、長々と書きましたが、今回のレッスンで取り上げられたのは、以下の曲目です。

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バッハ：インベンション９番
モーツァルト：ソナタK.545 第1楽章、第2楽章

バッハ　インヴェンション1番
ピュイグ=ロジェ ピアノ教本より シャコンヌI（ヘンデル）
ソナチネアルバムIより ソナチネＯｐ55−1 第1楽章（クーラウ）
バルトーク ミクロコスモス2巻より

ツェルニ―３０番　No.28、No.29
チャイコフスキー　四季より「４月、松雪草」
ハイドン　主題と変奏曲

ショパン　エチュードOp.10−8、Op.25−5
ショパン　バラード３番　Op.47

シューベルト　ソナタ　Ｄ．784　a-moll

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今回は、初めてこの公開レッスンに参加してくださった小学生の生徒さんが、二人いらっしゃいました。
その二人の生徒さんに、北川先生がお話されていたことで、改めて、印象に残ったことが二つあります。

一つは、『ピアノを弾くということは、ピアノでお話するということ』という言葉。
課題が難しくなってくると、どうしても、音を並べるだけで、音楽にならない…という傾向が出てきてしまいますが、演奏することに喜びを感じるためにも、常に、頭においておかなくてはならない事だと思いました。

もう一つは、暗譜についての事です。
『自然に覚えるのを待っているのではなく、意識して覚える習慣をつけなくてはならない。また、指使いも暗譜のうち』というお話でしたが、暗譜に対する意識の持ち方によって、また、指使いも一緒に覚えられるかどうかによって、力のつき方が違うのは、日々のレッスンでも見ているだけに、納得できるものでした。

暗譜については、もう一つ、『譜面を見ながら弾いて頭が働く人は少ない』という話も、印象に残りました。
この“頭が働く”というのは、当然の事ながら、“音楽的に頭が働く”という意味です。
つまり、暗譜せずに弾いている間は、音楽的に頭が働きにくい…という事になると思うのですが、これは、自分自身の経験を考えても、思い当たるところがあります。

他に、スタインウェイの特徴や、ピアニストにとって、テクニックやピアノのコントロールとはどういうことか…など、普段滅多に触れることのできない、奥の深いお話を沢山伺うことができて、有意義な一日となりました。

次は、8月1日です。
興味のある方は、是非、足をお運びください。
お待ちしています。

私のお教室では、どの生徒さんも、毎週少なくとも３曲＋スケールとエチュードという課題をこなしています。
勉強会の時にも、一人数曲ずつ弾いて、さらに、スケールなどの勉強は休みません。
例え、進学したてだったり、ご家庭の事情や健康上の理由があっても、できる限り、テキストを減らさないようにしています。
モチロン、その時は大変なのですが、仕上げる期間を長くしたり、短い曲を選んだりすることで、できるだけ切り抜けたいのです。

なぜなら、そうしなければ、固まってしまいやすいから…。

発表会やコンクールの後、今まで弾いていたのと別の曲を弾こうとしたら、指が動かなかったり、楽譜が読みにくくなったりする事ってありますよね。
これが固まる…という事です。
同じ曲を弾き続けているのに、曲がキッチリ仕上がりにくくなったり、音楽の流れがぎこちなくなったりする事もあります。

限られた、少ない曲だけをやった方が、短い期間だけを見たら上達しているように見えるかも知れませんが、長い目で見ると、それは大きなマイナスなのです。
レッスンを進めるときに、なるべく固まらないように気を配りながら…というのも、新しいことをどう学ぶか…という事と同じくらい、注意が必要だという気がしています。

今まで、公開レッスンの時には、楽譜を沢山持ち込んで、それをひざの上に開いて、もう一冊ノートを開いて沢山の書き込みをしながら聴くのが常でした。
そうしないと、自分自身が落ちつかない…というのもあったのですが、そうやって勉強しないと、自分の中に残らないような気がしていたのも事実です。

でも、今回の公開レッスンで、具体的に勉強したい数曲以外は、楽譜を持たずに聴講してみました。
とはいえ、決して、怠けたくて…ではありません。

理由のひとつには、聴講することに夢中になって、公開レッスンにいらしてくださる皆様への目配りが、不足しているのではないか…という気がしていたことがありますが、これは、まぁ、運営上のことですから、大きな理由ではありません。

もう１つの理由は、楽譜に言葉を書き込むことに、どれほどの意味があるのか…という疑問が強くなってきたからです。

最近、ドビュッシーの『映像第２集』を勉強しているのですが、この曲、４〜５年前に名古屋音楽学校で、ジャン＝マルク・ルイサダ先生の公開講座があり、その講座を聴講しながら、克明にメモを取ったつもりだったのです。
ところが、そのメモを見ながら勉強してから、その講座を録音したものを聴くと、文字と自分の記憶からイメージしたのとは、全く違う演奏で、当然のことながら、自分のイメージよりも、実際の音の方がずっと素晴らしく、メモを見ながら必死で考えたのは、何だったのかしら…と思ってしまったのでした。

私は、すぐに言葉に置き換えてしまうので、北川先生によく注意されるのですが、こういう事か…と、ようやく分かった気がして、別の方向での勉強をする必要を感じました。
言葉というのは、どうしても、各々の経験によって想起されるものが違ってしまい、音楽そのものに行き着かないのかも知れません。

…という訳で、公開レッスンでは、しばらくの間、メモを取るのは最小限にして、自分の感覚を研ぎ澄ましてみよう…と思ったわけです。

本当に、勉強の仕方って難しいですね。
一歩間違えると、音楽とは反対の方向に行ってしまいます。
もっとも、このことに気付けたのは、聴講しながら楽譜に書き込み、そして、講座の録音テープを購入し、それらを使って勉強したから…でもあるのですから、全てが無駄だった…という訳ではないとも言える気がしますが…。

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